第292章 东西方的“形”与“意”。
第292章 东西方的“形”与“意”。
“.”
莱奥是个夜猫子。
这个时间段，刚好是最为精神的时候。
稍微打开听了一下后。
莱奥便一个猛子从沙发上弹起来。
关掉电视，从冰箱里开一瓶啤酒，喝上一口后，便打开了电脑。
戴好了高档耳机后，调整了一下音量与平衡关系，当即便认真听了起来。
一开始的低音，便让莱奥觉得很有意思。
有点像是男声。
随后来的号角声与战吼，则更是感受到了飘荡在冰雪世界中的维京战士。
“哦这太惊人了。”
莱奥瞪大眼睛，又看了一眼李景霖发来的消息，确认了一下文字。
【还没精修】
你管这叫还没精修？
你是不是对随手之作有什么误解？
莱奥觉得，李景霖是这么说的，但这音乐，完全足以出现在游戏里了。
并且，也完全可以直接当做宣传片的配乐！
“这就是李景霖吗？好恐怖的速度。”
纵使莱奥听过李景霖的一些传闻，但当真正见到的时候，还是觉得有点离谱。
早在当年李景霖和《巫师3》合作血与酒DLC的时候，便听到一些业内人士说起过。
【李？他超快，量也大，质量还高，工作两个月，摸鱼五十天，但就是能给你全都搞定。】
而且，不只是快。
莱奥很难想象，为什么一个东方人，却会对西方民族音乐的风格如此信手拈来。
感觉这李景霖就仿佛回了自己家一般。
什么东西都轻车熟路。
【李先生，这很棒，但具体选用情况，还是得看您和游戏制作的商讨】
回复了一句后。
莱奥忍不住又听了几遍。
这首曲子精修后，一定会更令人上头。
此时的莱奥，已经打定了主意。
到时候，哪怕不运用在游戏里，也决不能浪费这么好的音乐。
翌日。
李景霖来到巴黎国立。
开始按照校方的请求，也给作曲系上了几节大课。
大课的内容，是关于东方音乐的。
对于作曲专业来说，这来自于神秘东方的音乐风格与作曲思路，是十分吸引人的。
哪怕是本专业的教授，也乐呵呵的拿着笔和本，过来跟着一起上课听听。
“关于东西方音乐侧重点，我们可以换个解释。”
“这个西方音乐的形，和东方音乐的意，神，究竟是什么呢？”
李景霖在课堂上，讲述着奇奇怪怪的内容。
而台下的学生，更是一脸懵B。
这些内容，对于这些学生来说，其实是比较超纲的。
若是华夏学生，能很好理解，可西方的学生，的确不知道伱说的“意”和“神”是个什么怪东西。
就好像看小说。
“剑意冲天，锋锐无比！”
华夏的学生马上就能想象得到这种抽象的，无形的气质。
什么寄吧冲天的锐气，锋锐的剑意。
让华夏学生描述这玩意到底长啥样，华夏学生也会觉得你TM在为难我。
我咋寄吧知道这些东西长啥样？
唉！但我就是能理解这“剑意”到底是个什么东西。
哪怕想象不出具体的外形，但就是能想象的到这玩意带给人的感觉。
这便是【只可意会，不可言传】。
主打的就是一个“道”。
可西方学生呢？
乐，根本不知道这到底是个什么东西，甚至很有可能理解歪来，将其归类为“巫师”之类的魔法。
还是来形容“剑”。
华夏就可以说“剑光一闪”，玩古龙的意境流。
西门吹雪唰的一下起了，唰的一下就给对面宰了，问别人啥，全都不知道，但就是快。
快到反应不过来，快到一个极致，快到无法防御。
这就是“剑术臻至化境”。
可西方读者看这种描述，绝大多数都会脑子一团浆糊。
产生一种疑问。
所以这到底是多快？音速？光速？哦买噶十
可是，华夏的读者，一般不会去计较到底有多快，速度到底多少，而是将认知凝聚在“快”这个概念本身上。
这其实就是思维，认知，文化等多方面产生的一种壁垒。
无论是让这些学生们能够学习到东方的音乐，还是想让更多人具备东方思维，宣传东方的文化，那么，一定需要从一个方面，去尝试打破这样的壁垒。
“我换一个说法，大家便能理解了。”
面对这样的壁垒。
李景霖选择用西方乐理的阐述去将完全不同的东方音乐，展示给学生们。
“西方的音乐，一直到19世纪浪漫主义时期，才真正开始盛行标题音乐的，在这之前，音乐就是音乐，大部分都是无标题音乐。”
李景霖的话。
令广大同学点了点头。
这很好理解。
西方的古典音乐，大部分都是无标题的。
一般都是在乐器，调性，曲式概括下，描述的作品编号。
大多都是这样的名字。
比如
A大调钢琴奏鸣曲D.8，No.5。
乍看很懵。
但如果拆解看格式，就很好明白。
A大调（调性）钢琴（乐器）奏鸣曲（曲式）D.8（D姓作曲家所著，8号作品集）No.5（作品集中的第五号作品。）
这看上去就完全不明白什么意思，因为并没有“标题”，所以没有表达的主要故事内容。
单纯只是音乐而已。
这就是无标题音乐。
像是贝多芬的“命运交响曲”，本身也是无标题音乐，这个“命运”的名字，也只是后人根据音乐内表达的力量，给这首“无标题”的音乐起了一个标题名。
而贝多芬本人，正是古典主义与浪漫主义承上启下的一个人物，其作品中开始逐渐具备浪漫主义时期的标题音乐特质。
西方音乐。
标题音乐，是从浪漫主义时期开始后，才逐渐盛行的。
比方说柴可夫斯基的幻想序曲，标题便是“罗密欧与朱丽叶”，这样看上去，大家就能明白，哦，这是讲罗密欧与朱丽叶的爱情故事。
而这一点。
华夏却是完全不一样的。
“而在我们华夏，几乎很少很少见到标题音乐，得益于华夏文学，文化发展的极为昌盛的原因，在音乐的发展中，纵使是两千年前的古早时期，音乐就与标题蕴含的文学属性牢牢绑定。”
<div class="contentadv"> 李景霖在黑板上写下了几个中文。
又写下了其翻译过去的法语名字。
“比方说，《诗经·采薇》.”
“孔雀东南飞，五里一徘徊，这便是乐府诗《孔雀东南飞》.”
“再往后，如《高山流水》《汉宫秋月》《阳春白雪》.”
说到这里。
李景霖微微一笑。
“几乎绝大多数的华夏古典音乐，自发展起，就是标题音乐，并且，相当鲜明且有强度的文学属性，贯穿其中。”
“呼！！”
台下学生们瞪大眼睛。
兴趣更是浓郁了几分。
这听起来，似乎神秘东方的音乐，从一开始，就和西方音乐完全不同。
此时，这些作曲专业的学生们，接触到另一个音乐体系时。
内心无疑是激动的，更是好奇的。
“而这，对两种音乐体系的发展，造成了什么影响呢？”
李景霖在黑板上写下了两个词。
【想象力】与【形式】
“我认为，音乐可以是一种自然和谐的数学另类表达，所以，它一定要具有逻辑性，具有科学缜密的架构与规则，这便是音乐的形式美。”
“而音乐又是一种艺术，建立在想象力之上的艺术美更是至关重要，它基于形式，但发展出了属于人类独有情感与思维的艺术之美。”
“优秀的音乐，其实就是在形式美与艺术美之间，找好一个协调的位置。”
“均衡，中庸，过犹不及，这便是华夏先祖对宇宙万物观测，而得出来的结论。”
李景霖这些话一说。
学生们顿时感觉，自己好像明白了点什么。
当即便若有所思的点点头，你看看我，我看看你。
似乎有点明白这个“意”与这个“神”的另一种解释了。
这或许是一种精神上的境界，一种对美更高的追求，一种超脱了音乐形式束缚的体验。
“所以，从我个人来看，我认为，音乐的发展是殊途同归的，无论是西洋音乐的发展形势，还是华夏音乐完全不同的发展路线，无非就是人在对美的追求中，逐渐意识到了形式美以及艺术美之间的关系，并且开始在其中寻求协调的不同过程。”
“两者，也都曾经有走过极端。”
为了让学生们能够更好的理解。
李景霖便举出了两个来自于东西方音乐不同时期发展的例子。
去阐述古人对“艺术美”与“形式美”的实践与追求。
“比如庄子的大音希声，便曾经否认了音乐的形式美，只去追求意境，上升到哲学范畴，音乐便不是音乐，而变成了哲学。”
“又比如西方音乐史中对规则要求愈发严谨的守旧派，他们拥趸的是【音乐必须且只能为教会服务】这一理念，过度追求形式上的严谨，发展缓慢，再到复调，后来又加入了带有固定歌词的圣咏。”
“音乐结构展现了诗词结构，对现代的世俗音乐都影响极深，确实起到了统一，领导，和决定性的作用，但也否定了音乐本身的艺术美，缩小了发展的空间。”
说到这里。
李景霖便变的很认真。
扫视了一圈学生们后，严肃的开了口。
“我们不会抛弃掉历史的局限性，单纯的评价功过对错，先贤们的探讨，是为了后人的归纳总结，而不是彼此之间再次降维的斗争。”
“无论是走什么道路的先贤，我们都应该秉持尊重与认可，感谢他们为人类艺术事业所做出的实践与探讨，并且继承下他们留给我们的宝贵遗产。”
说到这里。
学生们顿时送上了热切的掌声。
纵使是教授们，也忍不住为其鼓掌。
李景霖要表达的学术精神与意思，已经是再直白不过的了。
【音乐就是音乐，公平，公正，客观，一切为的是音乐的进步。】
【不要局限于东西方，更不要局限于谁优劣，能够进步才是真理。】
这不偏不倚，对真理的论述。
哪怕会有人抱有不同的想法。
也终是会因此尊敬李景霖的。
待掌声渐熄。
李景霖便继续开口道。
“音乐的发展，其实便是从这二元对立且兼容的模式之下，相融又冲突的发展起来的。”
“所以，在到了现代音乐时，我便认为，目前的音乐发展，一定是要追求形式美与艺术美的和谐共生，在表达形式美的音乐逻辑上，也具有艺术美的意境存在。”
“这也是我要给你们讲述华夏音乐，讲述华夏音乐体系的原因。”
似乎是说给学生们听的。
也似乎是说给教授们听的。
但不管是学生还是教授。
无论是否骄傲，也无论对东西方音乐有何种不同的看法。
此时，都已经逐渐被李景霖所说服了。
客观看待，彼此之间取长补短，才是未来音乐的发展方向。
紧接着。
李景霖便继续给这些国外的学生们讲述起了华夏音乐的特点。
并不是所谓的五声调式，五声音阶。
五声音阶不是只有五个音，而是五个正音为主的调式，并且，无论是霓虹，东欧，印第安，非洲音乐中，都有不同的五声音阶。
如果光从音的唱名，或是音阶之间的音高来看，与华夏调式近似的也不是没有。
之所以质感完全不一样，完全是在于音阶的用法，
举个例子。
12356音阶，和35612音阶，看似音和音的排列顺序是一样的，音也都是那些个音。
但实际上，若是开头的主音不同，在音阶创作上，仍然有所区别。
12356是宫调式，那么，35612就是角调式。
这便是华夏音乐体系中的旋宫转调。
而由于西方古典音乐的定音，是建立在平均律上的，而华夏古典音乐则是三分损益法。
所以，在定义规矩这方面，也是不同的。
同样规律的一个音，或许在两种体系下并不相似。
在现代的音乐框架之下，华夏音乐的体系虽然也在遵循着平均律，但实际上，华夏的传统乐器，有的是按照平均律调的，但也有遵循传统三分损益定音的乐器。
比方说民间的一些琵琶，古琴。
想要提升编曲能力，这些东西便需要进行了解。
现代音乐的基础，这个西洋古典音乐，古典，其实应该翻译成严肃。
classic。
古典不代表多么古，大致应该从文艺复兴的前后来算起。
因为是这个时候开始形成具体体系以及“标准化”的。
至于为什么以西方古典为基础，是因为西方音乐更注重逻辑与规范，简单形容，那就是素描，讲究的是形，复杂的结构也能够轻易剖析，这就很方便教学。
而中国为首的东方音乐更注重神似，在意境，境界上是很高深的，但不注重形，这会导致学习门槛虽然同样，但想进阶到一定深度的话，难度相当高。
至于说谁优谁劣谁先进，大可不必。
没必要贬低别人，更没必要自我矮化。
音乐是时间的艺术，单纯只是在时间表达上不同罢了，但实则殊途同归。现如今的音乐教育也是需要详细学习中国的音乐体系的。
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